A visitante caminhava ao redor da obra. Máquina de retratos em punho. Inquieta, perguntou ao monitor da galeria:
– Linda do Rosário? Mas por que desse nome?
– Bem, é o nome de um hotel que desabou no Rio de Janeiro, em 2002 ele respondeu.
– E por que uma artista escolheria esse nome para uma obra de arte? retrucou, desconfiada.
– Essa artista, Adriana Varejão, gosta muito de trabalhar com azulejos. Você vai ver por aqui no Inhotim outros trabalhos dela que utilizam esse material. Mas ela também gosta de fotografar, especialmente situações inusitadas. Quando o prédio caiu, Adriana estava no Rio preparando uma exposição. Ao saber do acidente, foi até as ruínas e fez algumas fotos. Ela percebeu que, apesar dos escombros, havia paredes de azulejo azul e branco, resistindo a toda a destruição. Essa foi uma das inspirações para ela compor esse trabalho.
– E no hotel, tinha gente lá?
-Tinha sim. Dizem que o porteiro escutou os estalos e saiu avisando todo mundo para deixar o prédio imediatamente. Quando ele estava descendo as escadas, quase na porta, lembrou-se de um casal que ocupava um dos quartos. Da portaria, interfonou, mas ninguém atendeu. Ele chegou a retornar e bater na porta, mas não houve resposta.
– Nossa, e o que aconteceu?
– Assim que ele deixou o prédio, assistiu tudo desabar, ao lado das outras pessoas que também conseguiram escapar da tragédia. Infelizmente o casal não sobreviveu. Dois dias depois, seus corpos foram encontrados pelos bombeiros, em meio aos escombros, deitados sobre os restos de uma cama. Seus nomes não foram revelados, mas um jornal da época contou que se tratava de um casal de amantes. Há quem diga que eles ouviram o porteiro chamar, mas preferiram ficar ali e morrer juntos, cansados de esconder seu amor… Tem até uma música, daquela banda Los Hermanos, que canta essa história. Chama conversas de botas batidas.
– Poxa, obrigada! Só de olhar eu nunca ia imaginar isso tudo! E que material é esse?
– É poliuretano, senhora! Só não pode tocar na obra…
A queda de um hotel em RJ foi inspiração para a obra de Adriana Varejão.
Em 2011, a jovem cantora Juliana Perdigão, uma amiga nova, me convidou para escrever um texto sobre seu primeiro disco, Álbum desconhecido (você confere o texto abaixo). Desde então começamos um intenso diálogo sobre música, arte e vida, que incluiu a possibilidade de um show em Inhotim, dentro da faixa de programação do Inhotim em Cena dedicado a novos artistas brasileiros. Este show acabou se tornando um espetáculo comissionado, a partir do universo estético e do repertório musical de um dos nossos pavilhões permanentes mais importantes, a Galeria Cosmococa, dedicada à obra de Hélio Oiticica e Neville dAlmeida. O show acontece no teto da galeria, nos dias 6 e 7 de junho, às 15h.
As obras da galeria foram criadas pelos artistas em Nova York, quando os dois viveram intensamente a cena underground na cidade, e trazem trilhas sonoras pensadas especialmente para as instalações audiovisuais. Jimi Hendrix, John Cage e Yoko Ono, heróis da contracultura e vanguarda americana, surgem ao lado de Luiz Gonzaga e Yma Sumac, referências brasileira e sul-americana. A partir do trânsito entre registros do samba à vanguarda, Juliana abarca uma perspectiva pós-tropicalista (Macalé e Tom Zé, Zé Celso e os Campos, passando por compositores emergentes, como Negro Léo e Ava Rocha) para compor seu próprio repertório. As apresentações marcam o retorno de Juliana aos palcos mineiros, depois de uma temporada se apresentando em São Paulo, onde além de estrear a banda nova e se preparar para um novo álbum solo, atuou como instrumentista e atriz em três espetáculos do Grupo Oficina. É imperdível.
O show foi inspirado na arte de Hélio Oiticica e acontece no teto da Cosmococa.
Texto de amigo é problema. O primeiro problema é a demora. Você pede o texto e o sujeito diz, claro, e passam-se dois, quatro, seis meses e você com o disco, o livro, a exposição na boca do forno e nada do texto. O segundo problema é quantas vezes você se encontra com o amigo no meio do processo e falam, entre desinteressados e desesperados, sobre o assunto: mas sobre o que? vai ser o texto. De que? vai falar? E será? que fica pronto. E o amigo com cara de paisagem. Inútil paisagem. Então, por isso, sem mais delongas, Juliana Perdigão, aqui vai o texto que te prometi. Lembro da primeira vez que te vi, que deve ter sido apenas a primeira que eu me lembro. Na nossa cidade nos vemos muitas vezes antes de acenarmos uns aos outros com a cabeça. O endereço era uma cobertura que eu ocupava preguiçosamente na Rua Santa Rita Durão e o ensejo, não poderia ser mais oportuno, o Natal. Você me visitou e cantou, como uma gata vadia, na cozinha daquele apartamento enquanto eu fatiava verduras distraído. Daí eu me lembrei de ter te visto cantando, meses antes, com tantos amigos em comum, num palco qualquer. Daí eu vi que você simplesmente canta, verbo intransitivo. Não faz muito caso disso, mas quando canta a gente te escuta, verbo transitivo. Daí me lembrei que você também toca o clarinete e, talvez por isso, cante sem fazer tanto caso ou drama disso, acostumada a emitir sons audíveis da região da face. No final te levei no elevador e te disse que curtia teu jeito de cantar. Você sorriu meio tímida e a porta fechou. E desde esta noite a nossa conversa se projetou não apenas para o futuro mas também para trás. Em infinitas varandas, revelamos lembranças em comum, esfrangalhadas mas existentes, de músicas e noites na nossa cidade. Do Squat à Fundação. Ou seria o contrário? Quem lembra sabe. Daquela noite até o teu disco, descobrimos nos conhecer desde sempre. É desta eternidade, Juliana, que eu queria te falar nesta carta.
Pra mim, o divórcio que houve entre a música e o cotidiano brasileiro era pra falar canção popular e classe média, mas passa assim também é irreversível. Por isso eu só posso acreditar na música no presente. E cantar o passado é, muitas vezes, viver o presente. Por isso em rodas de sambas gastamos os nossos melhores anos. E você, com teu Álbum Desconhecido, de título inspirado e colaborações mais do que elevadas (este texto escusado), tange justamente este problema, coisa nossa, ao elencar autores, em sua maioria, desconhecidos e novíssimos. Música feita da matéria presente, do tempo presente. Esta tua eleição está bem porque no tempo de hoje nos projetamos no passado. E só vamos honrar o nosso passado de glória, o nosso samba tradição, se colocarmos um objeto não identificado no meio da sala. A nossa vingança é poder convidar para a festa dos vivos quem a gente quiser. Só não vale viver do passado. Esta fricção entre o passado e o presente se sente no teu trabalho e no de todos nós que desafiamos a tradição como estagnação. Acompanhei algumas prévias ao vivo deste disco, feito de canções singelas, como você me ensinou, e sei que a diversidade de registros que está aqui não é ecletismo, mas parte da sua personalidade artística. Te vendo cantar no palco, vi uma instrumentista afiada, uma bandleader leal, uma diva mal disfarçada, uma bamba cachaceira, uma intérprete de verdade, na hora de escolher, cantar e dirigir o arranjo. Tais e tão complexas são as tuas mil faces. Mas prometi a mim mesmo despir-me das vestes do crítico para escrever esta carta. O terceiro, último e fatal problema de texto de amigo, Ju, é que não há objetividade que resista a nossa conversa, que já passa de anos e que vai durar muitos mais anos. E, agora, para sempre. Dever cumprido.
Guarulhos, maio de 2011. R.M.
Juliana Perdigão e Os Kurva Quando: 6 e 7 de junho, às 15h.
Onde: Galeria Cosmococa.
Quem adora arte não pode perder amanhã, 19 de maio, às 20h, a conversa entre o artista Marcius Galan, o crítico de arte Thiago Mesquita e o curador e diretor artístico do Inhotim, Rodrigo Moura. O encontro tem como ponto de partida a exposição “Do Objeto para o Mundo – Coleção Inhotim”, em exibição até 31 de maio, no Itaú Cultural, em São Paulo. Com entrada gratuita, a mesa será mediada pela curadora de programas públicos do Instituto, Morgana Rissinger, e exibida ao vivo pelo site do Itaú Cultural.
Sobre os convidados
Marcius Galan é um dos artistas que integra a mostra “Do Objeto para o Mundo – Coleção Inhotim” e possui duas obras em exibição no Instituto, em Brumadinho, atualmente. Em seu trabalho, o tema espaço é assunto recorrente e envolve muitas vezes a percepção do espectador.
Thiago Mesquita é crítico de arte e tem passagens por veículos como Folha de S. Paulo e +Soma. É professor em universidades e instituições culturais, além de organizar exposições e publicações no campo da arte contemporânea brasileira.
Rodrigo Moura é diretor artístico e curador do Inhotim, onde trabalha desde 2004. Exerceu importante papel na aquisição de obras fundamentais da coleção, incluindo obras de Ernesto Neto, Jorge Macchi e Rivane Neuenschwander. Também atua como crítico de arte e editor.
Sobre a exposição
“Do Objeto para o Mundo Coleção Inhotim” é a primeira mostra itinerante do Instituto e apresenta obras nunca antes exibidas no parque. A exposição toma como ponto de partida um momento histórico em que a arte deixa de se resumir a objetos para existir de maneira mais aberta para o mundo. Nesse contexto, elementos do cotidiano, do espaço real, da política e do corpo são incorporados e o espectador se transforma em participante. 50 obras de 29 artistas, nacionais e internacionais, compõem a exibição, que já esteve em exibição na Fundação Clóvis Salgado, em Belo Horizonte.
SERVIÇO: Conversas sobre arte contemporânea: Do Objeto para o Mundo Coleção Inhotim Quando: 19 de maio (terça-feira), às 19h30 Onde: Sala Vermelha do Itaú Cultural (Avenida Paulista, 149, Estação Brigadeiro do Metrô, São Paulo/SP)
Entrada gratuita (com distribuição de ingresso 30 minutos antes). 70 vagas.
Transmissão ao vivo pelo site do Itaú Cultural
Tradução simultânea na plateia em Libras
Muitos trabalhos em exibição no Inhotim utilizam a música como componente para envolver o visitante. De trilhas sonoras especialmente criadas a sucessos do jazz, descubra quais são as mais tocadas do Instituto:
Spem in Alium nunquam, de Thomas Tallis
Provavelmente você nunca ouviu falar dessa música, mas ela ficou conhecida por meio do trabalho Forty Part Motet (2001), da artista canadense Janet Cardiff. Organizados em grupos de cinco, 40 autofalantes reproduzem a composição do século 16 interpretada pelo coral da Catedral de Salisbury, na Inglaterra. Do centro da sala é possível perceber como as diferentes vozes vão compondo um som único. O efeito foi conseguido porque a artista utilizou um microfone para cada voz, reproduzida individualmente em uma caixa de som. Apesar de apresentar notas bem agudas, saiba que apenas homens e garotos compõem o coro. Andar pela sala vai ajudar você a perceber todas as frequências da música.
War Heroes, de Jimi Hendrix
Desbravar as Cosmococas de Hélio Oiticica e Neville DAlmeida é uma experiência sensorial completa. Salas com almofadas, balões e até uma piscina gelada fazem parte da proposta dos artistas. Para embalar o público nessa viagem, o repertório vai do canto lírico da peruana Yma Sumac à aleatoriedade das partituras vanguardistas de John Cage. Em Cosmococa 5 Hendrix War (1973), por exemplo, você pode escutar as guitarras distorcidas de Jimi Hendrix no álbum póstumo War Heroes relaxando em uma rede colorida.
Cosmococa 5 Hendrix War (1973), de Hélio Oiticia e Neville D’Almeida. Foto: Ricardo Mallaco
The look of love, por Dusty Springfield
É difícil conter a surpresa ao entrar na instalação Folly (2005-2009), de Valeska Soares. Se por fora a estrutura lembra um pequeno coreto, por dentro sua arquitetura se multiplica em um enorme salão de baile, reflexo dos espelhos nas paredes internas. Na pista de dança, dois bailarinos dançam solitários ao som de The look of love, na versão romântica de Dusty Springfield. Como a sala é bem escura, vale até arriscar alguns passos sem medo de errar.
“Folly” (2009), de Valeska Soares. Foto: Daniela Paoliello
Night and Day, por Frank Sinatra
No coração da Galeria Psicoativa Tunga está Ão (1980), uma instalação que mistura filme e música. Ao som de um fragmento do standard de jazz Night and Day, interpretado por Frank Sinatra, um túnel projetado na parede leva o visitante para dentro de uma curva sem fim. Nesse pavilhão ainda dá para escutar Tereza, de Arnaldo Antunes, composta especialmente para a obra homônima; Que cest triste Venise”, tema clássico de Charles Aznavou, que remete à cidade de Veneza, onde Tunga realizou a performance Debaixo do meu chapéu, em 1995; e Zenon Zenon, de Jorge Ben Jor, que dialoga com o trabalho Inside Out, Upside Down (1995) ao entoar o que está embaixo é igual ao que está no alto, que é igual ao que está embaixo.
Ão (1980), de Tunga. Reprodução da projeção
E você, se lembra de alguma outra música marcante na trilha sonora do Inhotim? Conte para a gente aqui!
O acesso pleno à cultura é transformador. Em Inhotim esse pensamento se manifesta de forma particular no programa Inhotim para Todos. Criado como uma das ações de democratização do acesso ao Instituto, o programa estabelece parcerias com projetos sociais de instituições públicas ou de organizações da sociedade civil, garantindo entrada e acolhimento gratuitos ao parque. Para a comunidade de Brumadinho, o programa assegura, ainda, ações continuadas nas sedes dos projetos. Ao longo dos anos, o Inhotim para Todos acumula relatos que informam sobre seu alcance, diversidade e estímulo ao empoderamento.
A imagem de um casal de idosos caminhando de mãos dadas pelos jardins do parque ilustra as experiências vividas por milhares de pessoas que visitaram o Inhotim com Grupos de Convivência e Fortalecendo os Vínculos de Centros de Referência de Assistência Social (CRAS). Essas parcerias incentivam a socialização e as escolhas autônomas durante as visitas, garantindo a inserção de grupos comumente não usuais em espaços culturais.
Grande parte do público do Inhotim para Todos é composta por pessoas da terceira idade. Não é raro encontrar uma idosa abraçando uma árvore enquanto realiza visita por meio do programa ou comemorando seus noventa anos com os colegas de Unidade Básica de Saúde (UBS), dizendo que conhecer lugares como o Inhotim é motivo para viver com alegria.
Momentos singelos demonstram como cada um sente e vive o Inhotim. Foto: Daniela Paoliello
Crianças e adolescentes que participam do projeto proporcionam outras formas de ver o programa. A facilidade com que decifram ou estranham uma obra de arte não apresenta oposição de ideias, mas pluralidade de olhares vindos de diversos lugares. Esses grupos chegam ao Inhotim diretamente de casas de acolhimento, espaços para cumprimento de medidas socioeducativas ou escolas de teatro. Nesses visitantes é perceptível a ocorrência de deslocamentos e processos marcados pela inquietude, curiosidade e experimentação tão comuns na juventude.
Crianças se divertem no mundo monocromático da obra Desvio para o Vermelho (1967 – 1984), de Cildo Meireles. Foto: Rossana Magri
Experimentação é igualmente recorrente para os grupos de pessoas com deficiências atendidas pelo programa. Seus trajetos são marcados por escolhas sensoriais, valorizando espaços interativos, como o Jardim de Todos os Sentidos que propõe atividades envolvendo os cinco sentidos humanos. Os relatos desses grupos sobre suas visitas são habitualmente detalhados, informando sobre as potencialidades e limitações do parque e destacando a extrema importância do atendimento oferecido pelos mediadores, monitores e condutores.
Grupos como esses inspiram a equipe do programa a pensar as relações entre os acervos do Instituto e o atendimento de públicos com suas diferenças. Pequenos momentos de beleza, como os aqui relatados, reforçam a crença no potencial transformador de Inhotim!
